"LAS MAJAS"

Tras tanto tiempo sin escribir, me vuelvo a animar a ello tras un acontecimiento vivido no hace mucho. La historia comienza de manera muy sencilla, se trata de un examen de “lenguajes, técnicas e icon grafía de la Edad Moderna”, la cosa es que este examen no era en clase, se trataba de exponer un cuadro en el Museo del Prado.  Sinceramente, la historia tampoco tiene que ver con el examen, ni con lo nervioso que me puse al tener que  hablar delante de todos sobre la obra de arte que me toco exponer, fue  por una foto que hizo una amiga a una situación que allí se dio.

Iban explicando uno a uno mis compañeros, yo cada vez me impacientaba más, era mi primera exposición en un museo y no paraba de repasar el esquema de cómo lo tenía que hacer, al final tras repasarlo una vez tras otra decidí dejarlo ya que se me olvidaba de lo nervioso que me ponía de pensar que me quedaba poco y entonces decidí ponerme a observar, observar las obras, a las personas, a mis compañeros…

Tras admirar y empaparme de obras de grandes artistas como Miguel Ángel, Patinir, Rubens, Velázquez… fue en la sala donde podemos encontrar las obras de “la maja desnuda” y “la maja vestida” donde al pasar por ella vi algo que me dio mucho que pensar. Al acercarme a la zona donde se exponían lo que vi fue la escena de cómo mientras que frente a “a la maja vestida” solo había una señora admirando la obra, frente a “la maja desnuda” se encontraba un grupo de siete hombres viéndola.

Si nos ponemos a pensar el porqué de este hecho, podemos decir que en parte, puede ser debido a la diferente calidad de uno y de otro, ya que en “la maja desnuda” utiliza una técnica más delicada, llevando a cabo la obra con una tranquilidad mayor, cuidando todos los detalles del cuadro, mientras que en la otra maja se utilizó una técnica más simple, con pinceladas más gordas, con una realización mucho más rápida. También podemos pensar en que se deba a que en la obra “picante” de Goya, fue en la primera que se representó el vello púbico.

Pero, ¿realmente es por estos motivos? ¿No es porque vivimos en una sociedad en la que nos atrae este tipo de imágenes? El desnudo es de los más natural que uno se puede encontrar, ¿acaso al nacer no estábamos de esta manera? En el arte griego, el desnudo, era muy habitual, no me imagino a todos los habitantes de la época contemplando esculturas de la época por  este hecho.

Sea como sea yo os dejo la imagen para que la contempléis y penséis sobre ella. Del mismo modo, si alguien quiere compartir su pensamiento invito a que lo  haga en los comentarios.

ARIADNA DORMIDA

Hoy os voy a escribir sobre una escultura clásica que se encuentra expuesta en el Museo del Prado, se trata de la escultura llamada “Ariadna dormida” identificada como su nombre indica con la figura de Ariadna, hija del rey de Minos. No siempre ha sido identificada con ella, si se fijan podemos ver un brazalete con una serpiente en el brazo por lo que en el principio fue identificada como Cleopatra, también debido a una figura muy semejante que se encuentra en el museo del vaticano. Posteriormente se llegó a identificar como una ménade ya exhausta después del culto dionisiaco que lo unimos con este gesto que realiza con el brazo por encima de la cabeza que significa que se encuentra durmiendo, es un gesto muy repetido en la antigüedad.

Ya la identificación final fue la de Ariadna, y ¿Qué representa esta escena? Pues se identifica con la escena de Ariadna tumbada o recostada en la playa de Naxos, estas serían las arenas y las espumas del mar, y esta tumbada después de que Teseo la abandone tras su aventura en el laberinto del minotauro, es justo aquí donde Dionisio llega y ¿Qué es lo que hace? Pues la rescatará y posteriormente se casará con ella, dando lugar a que se convirtiera en una diosa consorte.

La obra está datada entre aproximadamente el 150 y 175 d.C, es decir, del segundo siglo d.C  y esta, procede de un taller romano de la época y es de estilo clásico. Esta una copia de una escultura helenística perdida perteneciente al siglo II a.C, entorno al 160 a.C exactamente.

 La escultura se encuentra esculpida en mármol blanco con su posterior pulido, se puede observar que se ha realizado la denominada técnica de paños mojados,  esta técnica consiste en esculpir finos ropajes sobre los cuerpos como si se pegaran a él por estar húmedos (de aquí el nombre) de forma que se vislumbra la anatomía de manera insinuante. El cuerpo aparece vestido y desnudo a la vez, pudiendo observar  la parte del pecho destapada. Esto sitúa a la figura ya al principio del helenismo tardío.

Las obras al ser descubiertas en una excavación es normal que sufran daños y no salga entera, como es el caso de esta escultura, por lo que como era normal en el siglo 17, se encargaba a los mejores escultores de que la acabasen, esta obra además sabemos por quien fue reconstruida y cuando, se reconstruyó en 1670 en el taller de Bernini por dos de sus discípulos más destacados. Esta reconstrucción se dio en parte del rostro, en el brazo que se encuentra por encima de la cabeza y también en el brazo de abajo desde la altura del codo. También se reconstruyo algunas partes traseras de la rodilla, algunos pliegos y el pie, que es postizo.

Hay una copia de esta escultura también en el Museo nacional de escultura de Valladolid, sin embargo no es una copia de la que tenemos aquí, aunque el modelo no corresponde al de aquí, sino a la copia romana de la obra helenística realizada en el siglo II a. C., de procedencia desconocida, que se conserva en los Museos Vaticanos.

Esta escultura proviene de la colección privada de Cristina de Suecia, la cual tras su abdicación viajo a Roma y compro numerosas cantidades de escultura clásica. ¿Cómo viene a España? Cuando el rey Felipe V  e Isabel de Parnesio llegan a España compran toda la colección de escultura clásica de Cristina de Suecia, estas esculturas rondaron por todos los palacios que tenían hasta que cuando se abrió el museo se trajo aquí, donde siempre ha sido expuesta.

A parte de esta reconstrucción que hemos comentado que realizo el taller de Bernini, en 2010 con motivo de remodelación de la sala donde se encontraba la escultura, se aprovecho y se inició una restauración de la escultura ya que había perdido mucho tras estar expuesta siempre. Esta restauración comenzó en octubre del 2010 y acabo en diciembre del año siguiente.

BLOW UP

“Blow Up” película de Michelangelo Antonioni rodada en 1966 se centra en los años sesenta y nos muestra los suburbios  de la ciudad de Londres. La historia se centra en la vida del protagonista inicial del “film”, el cuál no dice en ningún momento su nombre pero que se sabe gracias a los guiones de la película que recibe el nombre de “Thomas”.

La historia narra la vida de “Thomas”, fotógrafo de Moda de prestigio, la historia nos cuenta su vida hasta llegar al día en el que fotografía a una pareja en lo que es una aparente escena de amor, la pareja se da cuenta de la presencia de Thomas y de sus fotos y la mujer, intenta hacerse con la cámara, hecho que no llega a su fin. Thomas al revelar la foto y al contemplar la escena de amor de la pareja, observa como lo que él creía que era una historia de amor, es una escena de un crimen, para cerciorarse, acude al lugar del crimen donde se encuentra el cadáver. Tras intentar hablar con varias personas y sin saber qué hacer, vuelve al parque donde se desarrolla el crimen, pero en esta ocasión el cadáver había desaparecido.

En un análisis más detallado de la película podemos observar varias cosas, como por ejemplo, que Antonioni se guía del cuento de Julio Cortazar, “Las babas del Diablo” para realizar o mejor dicho conducir los hechos de la historia. Una de las diferencias del “film” de Antonioni y del cuento de Cortazar es que la historia del segundo se da en París mientras que la del primero se realiza en Londres, en los suburbios de la ciudad, donde se retrata a la perfección la estética y el ambiente de la época. Suele usarse de escenario principal aunque los espacios más importantes se centran en el parque donde se comete el “crimen” (Maryan Park) y la casa/estudio del fotógrafo Thomas.

Podemos observar cómo se cumplen todos los tópicos sobre los fotógrafos y el mundo de la moda, como por ejemplo, los aires de importancia que se dan éstos, las “grupis”, que son capaces de hacer cualquier cosa porque las fotografíen o incluso como viven su profesión a la hora de su trabajo con una modelo, ocasión que más que una sesión de fotos parece un momento en el cual el fotógrafo mantiene relaciones sexuales (escena que aparece al inicio de la película).

Si nos centramos en cómo se encuentra grabada la película, hay en momentos en los cuales, la imagen, nos muestra la visión de “Thomas”, y por tanto vemos lo que él siente o ve, sin embargo, esto desaparece cuando de repente en el mismo plano aparece el protagonista y pasa de ser una historia en primera persona a estar contada en tercera, de manera que nos deja fuera de la escena, como simples observadores de la misma. También, encontramos en la mayor parte de la película escenas en las que crea a uno la sensación de esperar que ocurra algún hecho, momento en el que sin embargo, el guion da un giro y sale de repente con una carrera del protagonista con la intención de realizar algo que no nos planteábamos que ocurriera.

Tras hacer un pequeño análisis, podemos realizar ciertas observaciones con “las babas del Diablo”, cuento en el cual guía Antonioni la historia de la película. En la historia observamos que Cortazar solo es una pareja en la que se muestra el amor entre un joven y una mujer madura, para Antonioni en cambio, es un señor maduro con una chica más joven que él, hecho que también utiliza para dar sentido al crimen. También hay cierta similitud en la resolución de la obra, exactamente la similitud que existe en que ambos protagonistas, tanto el de Antonioni como el de Cortazar quieren llegar a la “verdad” y descubrir o averiguar acerca del crimen en el caso del primero como saber sobre la historia de amor del segundo.

Es digno de comentar la escena final, escena en la cual nos muestra cómo llegan los mimos a pista de tenis y se ponen a realizar la simulación del partido, simulan como una de las pelotas se escapa y da a una de las espectadoras que ven dicho partido y como meten a escena a “Thomas”, es decir, como le introducen en su juego y le hacen devolver una pelota invisible. Esta escena que dura alrededor de tres minutos tiene una gran cantidad de planos y cortes que se realizan en la película. La verdad que de esta escena podríamos hacer un análisis digna de un trabajo en exclusividad al significado de la misma, pero resumiéndolo a algo breve, podemos entender y relacionar esta escena con el caso del crimen, o en un sentido más general lo podemos incluso abarcar a todo el “film”.  Se trata de una escena en la cual, no podemos ver la pelota ni el desarrollo, si no que nos lo tenemos que imaginar, nosotros como espectadores, podemos ponerlo en relación con el crimen o en un sentido más amplio con toda la película ya que podemos observar los acontecimientos pero nunca observamos cómo se llegan a realizar, es decir, en el momento del crimen, en ningún momento observamos cómo se lleva a cabo, solo, nos muestran lo que ha pasado, en un sentido más general, llevado a toda la película y no solo a la parte del crimen, nos muestran esto mismo. En la escena con las dos “grupis”, Antonioni, no nos muestra los hechos los cuales llevan a Thomas aceptar a hacerlas fotos, solo nos muestra el inicio y como este acepta realizar la sesión al día siguiente.

En conclusión, parece que en este “film”, la realidad desaparece, donde podemos llegar a encontrarnos una trama en la que no se muestra la acción, en un crimen (sobre el que trata la historia) que se queda sin resolver y por tanto una historia sin sentido. La película acaba dejando un final abierto a la imaginación del espectador, el cual, dicho final, es difícil de imaginar por lo menos para mí, debido a como ya he comentado anteriormente, cuando imaginas o piensas que puede ocurrir o darse una cosa, la película sale por otro lado, desligándose de lo que podías creer que pasaría.

Es un “film” que está lleno de matices y de significados. Esta película podría dar de sí para realizar un estudio sobre ella, como ya hizo Marie-Claire Ropas o incluso uno más detallado realizado escena a escena ya que está llena de simbolismos, los cuales no te fijas viendo la película una sola vez.

PATRICK HAMILTON

Artista chileno, nacido en Lovaina, Bélgica en 1974. Licenciado en Artes estudiando en la Universidad de ARCIS y en la Universidad de Chile. Inició estudios de Filosofía en la Pontificia Universidad Católica de Chile, los que abandonó para realizar proyectos artísticos.

La formación de los artistas en chile es meramente académica ya que no suelen haber “autodidactas”. Su formación se realiza en el periodo de transición de Pinochet que accedió al poder al destituir a Salvador Allende. Patrick, quien estudio artes en dos universidades tirantes hacia la izquierda o la extrema izquierda inclusive realizará sus obras con una mirada social, política y económica, por lo que su trabajo ira en este sentido.

Cuando hacia tercero o cuarto año de la licenciatura empezó a realizar sus trabajos, empezó con materiales y obras más extravagantes, desligándose así de un arte más conservador como la pintura.
La obra de este artista que conlleva una crítica social, política o económica, debido a la transición y medidas tomadas por Pinochet en el país. Se verá que su trabajo tiende hacia como la política o la economía afectan o impactan en el casco urbano o en las relaciones laborales. Es decir, como la economía nos afecta en la cotidianeidad.

Gran parte de su trabajo por no decir el cien por cien, no sale de la inspiración que recibe cuando se sienta en una silla y se pone a pensar, sino que como él indica, sale a la calle, se involucra con obreros, se va a centros de ciudades a involucrarse con la gente, es decir sale a buscar esa inspiración que no puede encontrar en una silla. Como él mismo dice, le gusta involucrarse en los procesos de trabajo.

Se considera un artista que trabaja con muchos y distintos medios, trabaja mucho con fotografías, con herramienta, etc. Muchos de sus trabajos se basan en transformaciones muy simples como moldear ciertas herramientas o materiales, realizar collages o la utilización de unos colores sobre otros.
Patrick, artista ha viajado y realizado exposiciones a lo largo del planeta, cuenta con un sinfín de exposiciones alrededor de América Latina, de Europa, de Asia e incluso de Estados Unidos. En 2007, logró la Beca Guggenheim en Nueva York, una de las becas más importantes del mundo.

Una de sus obras más importantes es en la que realizó una serie de fotografías en la ciudad de Chile a lo que denominan con tono irónico a la zona de negocios como “Sanhattan”  (palabra que proviene del cruce de Manhattan y Santiago) por la serie de edificios altos que intenta aludir a la ciudad norteamericana. Una de sus obras más importantes dentro de la serie que realiza con collage es la del edificio llamado “Costanera Center”, el cual se trata del edificio más grande de todo Latinoamérica.

Este es el collage del “Costanera Center”, muestra el edificio con la misma escala, lo único que retoca es el revestimiento del mismo, en el que pondrá papel como si fuera mármol.

 
Este otro trabajo es el perteneciente al edificio Telefonica, el cual, tiene cierta semejanza con un teléfono móvil.

Me llama la atención otro de sus trabajos el cual expone en una colaboración en Varsovia, Polonia, en el cual, deja entrever de donde viene y también contiene cierta crítica. La obra, la cual se llama “intersecciones”, está realizada con el material que se utiliza en Chile para poner en las vallas de las grandes casas para evitar que salten sus muros. Tienen forma puntiaguda. El artista utilizo el mismo material después pero con una variedad, mando que se realizara en cobre. El cobre es un material el cual ha supuesto un desarrollo muy fuerte en su país, ya que gran parte de la riqueza del mismo proviene de la venta que realiza a China.

Otro trabajo de manera simple es llamado “Esqueleto” con forma de esqueleto de un sillón. Quiere expresar las revoluciones estudiantiles que se dio en chile debido a la transformación económica de los chicago boys. Ya que con la instauración de este modelo, las universidades públicas se hicieron privadas. Este asiento, o mejor dicho este “esqueleto”, se trata del esqueleto de un sillón que fue quemado en una de las revueltas estudiantiles por estas medidas económicas que les endeudaban a ellos y a sus familias.

Si alguien quiere saber más sobre este artista chileno, le invito a que se informen más sobre él y sobre su obra, actualmente se encuentra viviendo en Madrid por lo que seguramente tendremos noticias suyas acerca de alguna exposición o colaboración en un futuro que esperemos que no sea muy lejano.

Susan sontag. "Un argumento sobre la belleza"

 “Un argumento sobre la belleza” de Susan Sontag

Susan Sontag. Un argumento sobre la belleza. Letras libres, Febrero 2003, Madrid. 4 páginas. El presente ensayo nos abre una ventana hacia el debate con el concepto de belleza como principal objetivo de Susan Sontag, novelista y ensayista estadounidense, la cual escribe sus novelas aquí en España bajo la editorial de Alfaguara. Este ensayo está escrito en exclusiva para la revista “Letras Libres” en Febrero del 2003.

Susan Sontag, nacida en New York el 16 de Enero de 1933, descendiente de judíos estadounidenses. Susan, criada en Arizona, estudio en las más prestigiosas universidades como son las de Berkely, Oxford, la universidad de Chicago, la de París y en la universidad Harvard. Susan prestigiosa novelista y ensayista quien dedico sobre todo su vida a la carrera literaria y ensayística también se dedicó a la docencia en universidades, algunas de las cuales donde ella misma había estudiado. Tras dar a luz a su hijo David, se divorció de su marido en 1958 y comenzó a mantener relaciones que otras personas de su mismo sexo. Susan falleció en Diciembre del 2008 a la edad de 71 años debido a complicaciones en la enfermedad que contraía (síndrome medioplástico), la cual dio lugar al final a una Leucemia mielógena aguda, el origen de esta Leucemia se encuentra en la radioterapia recibida casi tres décadas antes, empleada para la curación del avanzado cáncer de mama que padecia a la edad de 43 años la famosa escritora. Susan fue sepultada en Paris, en el cementerio de Montparnasse. Años posteriores a su muerte, su hijo David publicó un libro sobre la enfermedad y la muerte de su madre, Susan Sontag.

Aunque este es un trabajo expreso de Susan sobre el concepto de belleza, nombra algunos reconocidos personajes y comenta lo que en su momento ellos afirmaban, podemos encontrar declaraciones del mismísimo papa Juan Pablo II, declaraciones sobre la belleza de Gertrude Stein, de Valery o de Carl Schmitt, también encontramos referencias a Kant y como determina lo que es un “juicio justo”.

La finalidad o propósito de este ensayo es enseñarnos lo que es el concepto de belleza, y todas las transformaciones por las que ha pasado. Es decir, se pretende que entendamos las historia del concepto de belleza y de lo bello y como actúa en consecuencia con las obras de arte.

Este ensayo se divide en 9 partes a lo largo del texto, en los cuales, en cada parte, nos muestra el concepto de belleza desde un punto de vista en el que en general todos tienen que ver. Empieza por la “burda” declaración realizada por el papa Juan Pablo II, pasa por el desacreditamiento del concepto de belleza por parte de comunidades artísticas prestigiosas y donde se llega a decir que una obra es bella es decir que está muerta, ya que no hay elogio más común ni más soso. En la parte 3, la parte más extensa del ensayo, encontramos que a falta de definición estricta de belleza, tenemos como capacidad calificativa lo que denominamos gusto, pero este es individual por lo que Kant propuso lo que denominó  “juicio” con ciertos principios discernibles, pero este gusto normativo fracaso frente al gusto empírico. En la parte 4 encontramos como el concepto de belleza pasó a ser de carácter general a algo excluyente y al elitismo en cuanto a las obras de arte. Posteriormente Susan nos adentra en cuando pasó de decir que algo era bello o que les gustaba a usar el término de “interesante” y el significado de esto. Avanzando encontramos referencias a la belleza teatral y a la diferencia entre la belleza y lo atractivo.  En la séptima parte entendemos que la belleza se encuentra en una categoría estética pero está relacionada en cierto modo con la ética, a su vez, nos habla de la división en belleza interna y externa y elevada e inferior. Casi en el final, en la parte 8, nos habla sobre la historia de la belleza y como es una belleza más “elevada” la belleza humana o la que se crea que la belleza de la naturaleza. Ya al final del ensayo, si nos afirma que la belleza del arte es más elevada que la de la naturaleza y que cada una da una respuesta interdependiente ya que algo bello nos recuerda a la naturaleza como tal. Se puede decir que la finalización de esta indagación seria decir que “la belleza recupera su solidez y su carácter como juicio necesario para darle sentido a la vasta porción de nuestras energías.

A mi juicio, es decir,  un juicio personal, nada que ver con el juicio normativo que propuso Kant para ayudar a apuntalar a lo que se denomina como “gusto”, éste es un ensayo bastante adecuado realizado por Susan Sontag con el fin de enseñarnos lo que es la belleza, de darnos a entender como el concepto ha ido transformándose a lo largo de la historia y como se usa en ciertas cosas, como el uso de dicho concepto en el apartado del arte. Me parece positivo además la crítica que realiza la autora a la institución eclesiástica y al papa Juan Pablo II por realizar una “inadecuada” comparación entre lo que se considera las grandes obras de arte y los asquerosos delitos cometido por numerosos sacerdotes relacionados con los escándalos sexuales y la pederastia, me parece un error enorme esta declaración en la cual dice: “Una obra de arte puede presentar melladuras, pero su belleza permanece”, a mi parecer, este acto de defensa hacía su institución me parece un insulto a lo que consideramos arte y a todo aquel que dedica su vida a esto o a quien se sienta atraída en algún momento por alguna obra artística. Fue una declaración errónea de la cual hubiera sido correcto un retracto por parte del “querido” papa Juan Pablo II.

OTRO PUNTO DE VISTA (4)

Ángel Marcos, (Medina del Campo, 1955) fotógrafo vallisoletano de reconocido renombre, trabaja la imagen desde un punto de vista centrado en la contemporaneidad. Ha expuesto en grandes ciudades como puede ser Venecia, Valencia, Florida, Paris…

Ángel que se ha iniciado en el mundo de las exposiciones desde 1982 llega a Madrid para traernos un trabajo actualizado, anteriormente conocido como “Alrededor del sueño”. Trabajo realizado entre los años 2001 y 2010, en el cual se puede observar fotografías de 4 conocidas e importantes ciudades como son New York, Shanghái y La Habana. Ahora, en esta re-editada exposición que se celebra en el Canal de Isabel II, y conforme al espacio dispuesto para la exposición, Ángel, añadió una nueva ciudad, Madrid, la cual la intento fotografiar desde un punto de vista lejos del alcance de las típicas fotos popularizadas de Madrid es renombrada como “Alrededor del sueño 4”.

El trabajo del fotógrafo alrededor de estas ciudades se basa en plasmar la desaparición de la ciudad según avanza la idea de progresión global. Esto lo hace mostrándonos en una serie de fotografías las imágenes de estas ciudades.

En la parte correspondiente a New York, se basa en una serie de fotografías realizadas desde lo alto de los rascacielos que se sitúan a lo largo de las avenidas de Manhattan. En esta ciudad, es la que vemos el gran nivel de progreso al que ha llevado la globalización.

La segunda ciudad fotografiada es la de La Habana, Cuba, en esta Ángel se centra más en los eslóganes revolucionarios plasmados en los edificios, ya sean en forma de carteles, pegatinas o en forma de libre expresión “callejera” como lo son los grafitis, la gran cantidad de imágenes del Che Guevara. En esta ciudad queda atrás la fotografía de los grandes edificios y aparecen paisajes arrasados por los años de continua revolución colombiana.

La tercera de las ciudades fotografiadas es la de Shanghái, China. En esta ocasión más allá de introducirse entre los altos rascacielos de la ciudad y de los altos niveles de intoxicación de la misma, el artista decide irse a las afueras, mostrando así una mirada con vistas al pasado mostrando imágenes de lo que eran las ciudades y del cambio que ha ocurrido con el avance hacia un mayor progreso, dejando atrás antiguos barrios y formas tradicionales de la vida china.

Por último, como gran novedad, Ángel, añade la ciudad de Madrid, casualmente donde se halla expuesta la exposición. Alrededor de esta ciudad es de la cual va girar la exposición ya que es la ciudad de la cual más fotografías ha aportado, con una aproximación de unas 200 imágenes. Esta sección que cuenta con 3 de los cuatro niveles que cuenta la sala de exposiciones del Canal de Isabel II es la mayor de todas. En Madrid podemos ver imágenes desde conocidos puntos de interés como partes de la fachada del Museo del Prado o la conocidísima fotografía de los jardines del moro con el Palacio Real de fondo a imágenes de carteles de barberías situados en antiguos barrios de la capital o paisajes desolados de bloques de edificios situados en la periferia de la ciudad.

El artista juega con una diversidad de materiales a la hora de exponer las imágenes, desde las cajas de luz a imágenes de gran tamaño realizadas en un metal posteriormente tratado con barniz, este material utilizado para una misma fotografía mostrada con 3 efectos anteriores  o una serie de unas 150 imágenes que cuelgan desde lo alto de una “jaula” realizadas en un determinado plástico como el que aparece en las tapas algunos cuadernos de escritura.

En conclusión, en este trabajo, Ángel, hace que reflexionemos de desde el punto donde estábamos y el progreso y cambio que ha habido a lo largo de los años y la transformación que ha vivido cada una de las ciudades.